就在外界關注他們的下一步為何之際，近期傳出正與以香水為主的西班牙美妝集團 Puig 洽談業務合併事宜。若項交易若達成，外界預估將創造市值超過 400 億美元的全球美容超級巨頭。

為什麼 Estée Lauder 要收購 Puig？

#1

擴張高端香水版圖

相較於廣為人知的美妝巨頭，大家可能不太熟悉西班牙美妝集團 Puig ，不過說到他們家旗下的品牌，你一定不陌生，像是 Byredo、Charlotte Tilbury、Jean Paul Gaultier、Penhaligon’s、L’Artisan Parfumeur、Rabanne 等。

Puig 旗下擁有眾多高端香水品牌，公司超過 70% 收入都來自香水業務，對於 Estée Lauder 來說是一項具高度戰略價值的資產，尤其近年香水是美容市場中成長最快的類別之一，能迅速提高在高端香水市場的競爭力。

Byredo、Penhaligon’s

Charlotte Tilbury、Rabanne

#2

尋求新的成長動力、推動轉型

近年來，因為亞洲旅遊零售市場放緩以及美國市場趨緩影響，Estée Lauder 營運不如預期，不過旗下的 Le Labo 一直是集團裡表現強勁的品牌。

相較之下，Puig 仍穩定保持增長，2025 年營收更突破 50 億歐元，表現亮眼，對 Estée Lauder 而言，透過合併，有望注入新的成長。

Le Labo  

#3

抗衡強敵，鞏固在高端美容領域的地位

對手 L’Oréal 也一直是美妝界的領頭羊，去年更接手了 Kering 的美妝事業，如果 Estée Lauder 此次成功與 Puig 合併，將擁有龐大的通路議價能力和行銷資源，有望重塑全球美容產業格局，並進一步鞏固其在高端美容領域的地位。

Estée Lauder

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Photo:Byredo、Penhaligon’s、Charlotte Tilbury、Rabanne、Estée Lauder

雖然震驚，但一切其實有跡可循。

曾為美妝界獨角獸，當年「航空母艦眼影盤」可是人手一盤

由英國彩妝大師 Pat McGrath 在 2015 年創立，Pat McGrath Labs 的風格大膽、前衛，憑藉著高顯色度、極致閃耀的妝容美學在全球迅速走紅。2018 年，進駐 Sephora 不久，該品牌獲得了 Eurazeo 的投資，估值突破 10 億美元，一度成為美妝界獨角獸。

彩妝師 Pat McGrath

Pat McGrath Labs 最紅的產品就是這一盤「航空母艦眼影盤 Mothership Eyeshadow Palettes」，一盒 10 色，顏色飽和鮮豔，當時蔚為風潮，幾乎是人手一盤。另外，霧面絲絨唇膏 MatteTrance Lipstick 也深受消費者喜愛。

MatteTrance Lipstick

Mothership Eyeshadow Palettes

Pat McGrath Labs 申請破產保護

才在去年 10 月迎來了成立 10 週年，新的一年 Pat McGrath Labs 卻傳出破產消息。根據外媒報導，該品牌向美國佛羅里達南區破產法院申請 Chapter 11 破產保護，原先將於 1 月中下旬舉行的資產拍賣也被無限期延後。申請文件顯示公司負債估計介於 5,000 萬至 1 億美元 之間。品牌方表示，此次重組旨在「讓 Pat McGrath Labs 能在一個具生產力且健康的環境中繼續前行」。

不過根據《BoF》在 2021 年的報導，指出 Eurazeo 已經悄悄撤資，今年初另一家投資機構 Sienna Investment Managers 也將持股減記了 88%，這意味著品牌估值已從巔峰 10 億美元掉到如今的 1.74 億美元。

近年銷售遠不如巔峰時期

近年 Pat McGrath Labs 的銷售表現遠不如巔峰時期，撇除整體美妝市場競爭加劇、消費者喜愛轉向外，不少追隨 Pat McGrath Labs 多年的忠實顧客更指出，近期推出的新產品都欠缺誠意，包裝質感和設計都不如以往，還有點廉價。沒有創新，還失去了老顧客的心，導致銷售低迷。

Pat McGrath 接下 Louis Vuitton 彩妝創意總監，個人影響力還在持續中，但是否分身乏術？

另一方面，創辦人 Pat McGrath 自 2025 年起正式被任命為 Louis Vuitton 彩妝線 La Beauté 的創意總監，雖然此舉使她在時尚美妝界的曝光度更高，但也有人猜測她是否因此分身乏術，加上品牌銷售不振，才想藉由這次品牌重組將重心轉向新崗位。

這樣看下來 Pat McGrath Labs 申請破產保護或許不是壞事，還有可能是品牌重生的起點，當年的美妝界獨角獸傳奇能否在重組後華麗復出？讓我們拭目以待。

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Photo: Pat McGrath Labs, Louis Vuitton

回頭看看去年 LVMH 第三季財報，在奢侈品市場低迷之際，依然交出亮眼成績單，頭號功臣正是 Sephora，如今又宣布跟 Olive Young 合作，此舉被譽為全球美妝巨頭的強強聯手，表面是通路合作，背後其實藏著不小的佈局野心。

Photo: Olive Young

Sephora 總算跟上 K-Beauty 最前線美妝趨勢

雖然 Sephora 擁有遍佈全球 3,400 個銷售點，但就「跟上韓妝趨勢」這件事而言，它的腳步還是太慢。過去 Sephora 挑選韓妝品牌多半是國際知名大牌，比如 Sulwhasoo 雪花秀、Laneige 蘭芝，但現在真正帶動話題的幾乎為小眾品牌，像是 Tirtir、Fwee、COSRX 等。

反觀 Olive Young 在韓國擁有近 1,400 家門市，對 K-Beauty 的掌握更透徹、直接。透過合作，Sephora 就能輕鬆獲得韓國流行趨勢的第一手資訊。

Photo: Tirtir

Photo: Fwee

#2

Olive Young 以選品當橋樑，低風險接軌國際市場

Olive Young 之所以聞名，最不可取代的正是其選品能力，總是能精準抓住韓國美妝市場走向，不少中小品牌也因此被捧紅。然而，許多在 Olive Young 熱銷的中小企業美妝品牌，即便在社群有一定的人氣，若要獨自進入歐美市場，往往還要考量資金、物流、倉儲等成本。有了 Olive Young 當橋樑，這些品牌等於拿到了進入 Sephora 全球供應鏈的入場券，得以用相對低風險的方法，拓展國際市場。

Photo: Olive Young

#3

韓國美妝的影響力從亞洲延伸到全球

這場合作還象徵了美妝版圖的轉移，過去，全球妝容與美感標準長期由歐美主導，如今，K-Beauty 亦成為主流。

從氣墊粉餅、保濕棉片、光澤玻璃底妝、蝸牛原液與積雪草等趨勢，這些不只改變了消費者的保養彩妝習慣，也正一步步改變國際品牌開發產品的方向，這也證明了 K-Beauty 已經不只在亞洲流行，而是全球都在追的美妝潮流。

Photo:FWEE

#4

對消費者而言：美妝零時差入手

對消費者來說，這項合作無疑是一大福音，Sephora 實體門市和線上商城將會設立由 Olive Young 親自操刀的專屬區，在這裡一次就能看到 Olive Young 精選的韓國美妝品牌，以及韓國最流行的健康和美妝新品，完全零時差，不再需要依賴代購，還可以享有 Sephora 的專業顧問服務，協助膚質分析等，好買好逛又走在最流行前端。

Photo: Olive Young

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Photo: @coach

在競爭激烈、變動快速的輕奢市場裡，Coach 近年的表現帶來了一場戲劇性的翻轉，這個成立於 1941 年、已有 80 餘年歷史的美國皮具品牌，曾一度因過度依賴折扣、與百貨公司深綁而失去光彩，甚至被年輕消費者戲稱為「媽媽包」的代名詞。

然而，短短數年之間，它徹底蛻變，重新登上全球最受關注品牌的排行榜，並在 2025 年第一季度締造營收同比大幅成長的佳績。

這一切轉折，可不是偶然。

#1

如何撕掉「媽媽包」標籤？

Coach 的逆襲始於品牌形象的再造，2010 年代後期，當品牌陷入「折扣化」與「過時」的泥淖時，新上任的創意總監 Stuart Vevers 與 CEO Todd Kahn 決定進行全面改革，他們不再一味追求銷量，而是著眼於「讓年輕消費者成為品牌的靈感繆斯」。

這意味著設計、代言人到行銷策略的全面轉向，Coach 不再強調過去的「經典老花」，而是注入更多活力與年輕視覺符號，從請來 Selena Gomez、Jennifer Lopez、Elle Fanning 到韓國饒舌歌手李泳知等代言人，再到 TikTok 與 Instagram 上與年輕網紅合作，Coach 在社群話語權上重回舞台中央，這些代言人不僅具備鮮明個性，也擁有龐大的粉絲群體，將品牌形象快速植入新世代消費者的日常。

 

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像是 2025 春季廣告短片《On Your Own Time》，Coach 就以「活出自己的節奏」為主題，更直接觸動 Z 世代對自由、真實與自我表達的渴望，這樣的訊息，也正好呼應了當代年輕人對「身份認同」的追求。

Brooklyn、Tabby 包款大紅

不過如果僅靠廣告包裝，Coach 是不可能真正翻身的；真正讓它重新打進年輕市場的，是產品設計上的革新。

由 Stuart Vevers 主導的設計團隊，先後推出了 Tabby、Brooklyn、Rogue 與 Empire Carryall 34 等包款。其中，Tabby 以簡約方正的線條結合復古元素，成為年輕人願意「第一個投資的名牌包」；Brooklyn 則以黑色極簡風打破 Coach 過往偏向老氣的印象，在 2024 年更被 Lyst 評選為年度最熱門時尚單品。

Elle Fanning 拎上 Tabby 包款

Bella Hadid 拎上 Tabby 肩背包

Bella Hadid 拎上 Brooklyn 肩背包

Bella Hadid 拎上 Empire Carryall 34

田小娟拎上 Brooklyn 肩背包

同時，Coach 也捕捉到了 Gen Z 對「個性化」的狂熱，透過設計各種吊飾與配件，Coach 跟上 Bag Charm 的風潮，根據 Pinterest 數據，過去一年「包包吊飾」相關搜尋量在美國成長超過 200%，而 Coach Cherry Charm 更成為社群熱議的單品。

 

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Photo: Coach

成為集團金雞母

這場品牌轉型並非只是形象上的勝利，更是實實在在呈現在財務數字上，根據母公司 Tapestry 公布的數據，Coach 在最新季度的營收已經達到近 17 億美元，同比增長 11% 至 15% 不等，毛利率超過 77%，堪稱業界罕見的高水準。

從 2020 到 2025 年，Coach 的市值更翻漲了約 140%，遠遠甩開了 Michael Kors、Kate Spade 等同級競爭者。

Photo: Coach

相比之下，Capri Holdings（Michael Kors 母公司）的股價近三年來下跌逾五成，而 Tapestry 股價則逆勢大漲 154%，毫無疑問，Coach 已成為集團的「金雞母」，營收占比超過七成。

即便面臨美中貿易摩擦與潛在關稅風險，Coach 仍展現出強勁韌性，品牌大多數暢銷手袋定價在 295 至 695 美元之間，遠低於 LVMH 或 CHANEL 的高昂售價，讓其在「高品質、可負擔」的定位上更具優勢。

新消費心理？價值大於價格

Coach 的成功也反映了當代消費者的心態轉變。

Z 世代與千禧世代雖然對價格敏感，但對「價值」的理解更為多元，他們願意為品質、耐用度與文化意義買單，而不僅僅是追求最低價格。

正如零售顧問 Jessica Ramírez 所指出的：

「在今天的市場環境裡，消費者願意為『值得』買單，這不代表便宜，而是品質與故事是否能支撐價格。」

Coach 在這一點上就恰到好處，它既保有精緻工藝，也不至於把價格推到如 Hermès 或 Louis Vuitton 那樣遙不可及。這也解釋了為何許多消費者願意一次又一次回購，從年輕內容創作者在 TikTok 上展示彩虹色系的 Coach 包款，到資深收藏家數年內購入數十個新舊包款的故事，Coach 已不只是單純的「購物選擇」，而是建立起一種生活方式與情感歸屬感。

從「輕奢窘境」到新生

除了產品與行銷，Coach 也在積極拓展新的生活方式領域，品牌近年開設的沉浸式概念店 “Coach Play”，以及跨界經營的 The Coach Bar 與 The  Coach Coffee Shop，都在嘗試為消費者提供更全面的體驗，這些場域不僅是購物場所，更是文化交流的空間，讓品牌從單純的皮具商轉變為一種生活方式的載體。

The Coach Bar

 

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The Coach Coffee Shop

同時，Coach 也順應二手市場與可持續風潮，推出回收與再造計畫，透過復古款與 upcycling 策略抓住 Y2K 懷舊浪潮….，這些努力也進一步拉近了品牌與年輕消費者之間的距離。

輕奢產業長期處於「不上不下」的尷尬位置，既無法比肩頂級奢侈品的稀缺性，又常被快時尚搶走市場份額，但 Coach 的逆襲證明了另一條可能性：透過精準的年輕化策略、文化敘事與產品創新，輕奢品牌依然能找到屬於自己的位置。

從「媽媽包」到 It Bag，Coach 的轉型是一場關於「革新或淘汰」的鮮活案例，提醒了所有品牌：在消費者越來越重視價值觀、體驗與文化認同的時代，唯有不斷調整自身定位，才能真正贏得下一代的青睞。

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時尚趨勢不停改朝換代，Geek Chic 於 2024 年流行了一整年，正當人們以為就要退燒之際，它又以更聰明、更平易近人的姿態融入日常衣櫃，說是 Y2K 的接班人也不為過。若你問起 Geek Chic 穿搭趨勢落伍了嗎？答案是沒有，而且邁入秋冬後還更火紅。

#1

什麼是 Geek Chic？

先來說說”Geek”的意思，原本是指善於鑽研專業領域（如科技、電腦），但缺乏社交技巧的人，也有宅男、怪咖之意，被時尚圈拿來跟”Chic”時髦、優雅一詞結合，就誕生作為一種穿衣風格的”Geek Chic”。

那麼”Geek Chic”具體而言是指什麼穿搭風格呢？原來是在理性、幹練的風格之中加入灑脫、叛逆的態度，將原本呆板的書呆子元素轉化成一種獨特的時尚語言，其魅力就在於打破刻板印象後所形成的強烈的反差，比如眼鏡、襯衫、領帶、西外、鉛筆裙….，這些看起來循規蹈矩的單品，透過不同剪裁、意想不到的搭配巧思，營造出既聰明又有品味的樣貌。

Photo:@roses_are_rosie

#2

Geek Chic 從何而來？

談到 Geek Chic 的雛形，不得不提 Prada 1996 年春夏系列，當時 Miuccia Prada 提出Banal Eccentricity，以 Ugly Chic 平凡與古怪的風格徹底挑戰了主流審美。

既然醜也可以美，那麼書呆子當然可以很時髦，這種美學態度也為後來的 Geek Chic 埋下種子。進入 2000 年代，經典美劇《Ugly Betty》（醜女貝蒂 / 俏 Betty）那套繽紛造型，以及《The Devil Wears Prada》（穿著 Prada 的惡魔 / 穿 Prada 的惡魔）中 Andrea Sachs 所穿的藍色毛衣都是相似的形象。

電影《The Devil Wears Prada》劇照

#3

伸展台上的 Geek Chic

而近年來讓 Geek Chic 重回大眾視野的幕後推手，同樣少不了由 Miuccia Prada 所主導的 Miu Miu。Miu Miu 在 2023 秋冬秀場上，再次挑戰了主流審美的思維，將我們熟悉的針織開襟衫、及膝裙、絲襪等常規單品打亂重組，加上橢圓形的復古眼鏡，讓上班族的裝扮頓時變得趣味又叛逆，以新的美學進入到眾人視角。突然間書呆子變得好高級，好時髦，引領 Geek Chic 在日常大放異彩 。

Miu Miu 2023 秋冬服裝系列

Saint Laurent 2025 春夏大秀上，菁英形象的書卷氣息則被進一步凸顯，從粗框眼鏡、Oversized 西裝套裝，到雙排扣夾克、闊腿褲，再配以襯衫與領帶，讓正裝多了份柔美與性感，展現剛柔並濟的 Geek Chic 氣質。

Saint Laurent 2025 春夏服裝系列

還有 Bottega Veneta 2025 春夏秀場，我們見到了更隨性寬鬆的 Geek Chic，模特兒穿上過於寬大的服飾，彷彿小孩偷穿大人衣服的姿態。打破了既定框架下的成人形象與精緻感，知性的正裝因此增添了隨性與玩樂的自由氣息。

Bottega Veneta 2025 春夏服裝系列

新晉設計師品牌 Markgong 2024 春夏系列，更直接向 Geek Chic 致敬， 以《Sex and the City》（慾望城市 / 色慾都市）裡的 Samantha Jones 一角作為本季靈感來源，塑造出幹練且獨立的辦公室女性形象。

Markgong 2024 春夏系列

Thom Browne 雖不屬於傳統意義上的 Geek Chic，比起低調的書卷氣，他的美學更加張揚，但由於源自制服與學院風格，兩者有著相似的服裝語言，在某種程度上對 Geek Chic 風潮也有推波助瀾的作用。

Thom Browne

#4

Bella Hadid、Kendall Jenner、Jisoo 名人都這麼穿

時尚要從 T 台走入民間，最直接的方法就是依靠名人效應。在名人之中，Bella Hadid 無疑是最會演繹 Geek Chic 的代表，她多次身穿鉛筆裙、窄身襯衫或 Oversized 西裝，搭配眼鏡現身街頭，把正裝穿得叛逆高級、性感又時髦，妥妥的時髦書呆子。

其他像是 Kendall Jenner、Hailey Bieber 則是更以寬肩西裝外套搭配眼鏡，穿出了聰明人的風範。

當然，韓國明星們也是這波風潮的帶貨王，從原先一頭熱的 Y2K 風突然轉向，紛紛嘗試了 Geek Chic，像是 Jisoo、IVE 回歸的造型都很有時髦書呆子的味道。

Photo:@bellahadid、@sooyaaa__、@ivestarship

#4

男士們也有 Hot Nerd？

在男性身上，Geek Chic 還延伸出”Hot Nerd”一詞，看起來冷靜、內斂、沉穩，且充滿書卷氣，卻又帶點不經意的性感，這種反差讓人更有吸引力，比如眼鏡搭配西裝、針織背心或復古針織衫，再加上一點隨性的髮型，就很有禁慾系魅力。

近期韓國偶像們像是 G-Dragon、SEVENTEEN 金珉奎、NCT 的 Jaehyun、演員李鍾碩都戴上眼鏡變身帥氣又性感的 Hot Nerd 了。

Photo:@8lo8lo8lowme、@min9yu_k、@_jeongjaehyun

#5

推薦單品＆日常穿搭

• 眼鏡、領帶等配件

想嘗試 Geek Chic 穿搭，最推薦從眼鏡入門，無論是琥珀色粗框、金屬細框、無框款式，只要來一副視覺智力就輕鬆得高分；其他配件的話還可以來條領帶，立刻帶出知性專業氣息，鞋子則可以選擇瑪莉珍、樂福鞋或是小貓跟尖頭鞋這類帶有正式感的款式。

• 針織毛衣和格紋襯衫

針織毛衣、格紋襯衫也是必備，想多點層次感還可以內搭白襯衫或 T-shirt，下身還可以搭配鉛筆裙或百褶裙。

• 西裝外套

西裝外套不一定要正經八百，可以選擇剪裁帶有腰身或 Oversized 款式，技巧在於比例與反差。也可以結合性感元素，如針織衫搭迷你裙；或用正式單品混搭休閒，西裝外套配牛仔褲等都能避免太過呆板。如此一來，就能保持一種聰明又叛逆的態度，這樣的反差正是 Geek Chic 真正迷人的地方。

Photo:@imwinter、@roses_are_rosie、@jenaissante、@39saku_chan、@reinyourheart、@noodle.zip、@hi_sseulgi

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Cover Art Design: Vickey

往年那種極盡華麗的場景、鋪天蓋地的視覺衝擊，在今年似乎完全退了場，取而代之的是一種更冷靜，甚至更挑釁的氛圍。

Sydney Sweeney Has Great Jeans Campaign by American Eagle

Photo: American Eagle

模特兒不再在喧鬧場景中奔跑或嬉戲，而是被「定格」成靜止的肖像，有的像擺上展台的標本，有的則透過誇張的構圖把觀眾的眼神鎖住，這種看似安靜的畫面，其實充滿著張力，它揭示了時尚產業此刻的焦慮：在人與人關係不斷被重塑的今天，影像中的「人」也正被重新定義。

誰在凝視，誰被觀看？

女性主義理論家 Laura Mulvey 曾說過一句經典名言：「凝視，是性別權力結構的體現。」放到今日的時尚大片結構來看，依舊十分貼切，當模特兒站在鏡頭前時，他們不只是穿著品牌服裝的展示者，更是一個「被安排好要被觀看」的角色，他的眼神不是自然的交流，而是被攝影師與導演精心設定的一部分。

這一點，在 Balenciaga 2025 夏季廣告裡格外明顯，攝影師 Nadia Lee Cohen 以「好萊塢試鏡」為靈感，讓模特兒與演員扮演各種角色：名流、藝術家、記者，甚至反派。

這些角色不是自然而生的，而是被劇本化的「身份」，模特兒直視鏡頭，看似注視觀眾，其實是在接受檢視。

觀眾的角色也因此被轉換了，我們不再只是旁觀者，而是成了面試官，與攝影師共享對模特兒的「評判權」。

Balenciaga Summer 2025 Ad Campaign

Photo: Balenciaga

在這樣的觀看結構裡，模特兒不只是人，更是被賦予意義的符號；觀眾凝視的也不只是照片上的人，而是投射出自己心目中「理想形象」的幻象，換句話說，畫面呈現的可不只關乎於時尚而已，而是我們文化中對男性或女性角色的集體想像。

文化建立在認知之上

文化學者 Anneke Smelik 提過一個觀點：後現代的文化特徵，就是沒有什麼影像是獨立存在的，電影會參考戲劇、廣告會模仿電影，每個作品總是建構在另一個作品之上。

《Past Lives》Greta Lee in the LOEWE Fall Winter 2025 precollection campaign

Photo: LOEWE

2025 的許多廣告就很典型，它們不急著用劇情推動，而是把模特兒單獨擺進場景裡，像在演出一齣自己的獨角戲。

攝影機也不追求動態，而是停留在某一刻，這種「靜止」看似什麼也沒說，但其實透過借用戲劇與電影語言，製造了一種超越時間的「永恆感」。

《Poor Things》Emma Stone wear Louis Vuitton on Vogue

Photo: Louis Vuitton

因此，我們看見的不僅是服裝或布景，而是品牌試圖建立的一種「美學神話」，這些廣告既是對品牌氣質的延續，也在為觀眾構築一個可供沉浸的文化舞台。

群體的親密感與集體想像

除了單一模特兒的定格，群體畫面也成為了 2025 時尚廣告的一大特色，這裡最值得注意的是對「種族」的重新詮釋。

回到 80、90 年代，廣告裡的有色人種常被符號化，不是被塑造成「異域風情」，就是被當作「威脅」，如今，這樣的呈現方式正在被徹底改寫。

Louis Vuitton 的廣告就是一個好例子，品牌透過對不同膚色模特兒的平衡安排，呈現出一種文化拼貼的畫面，不只跟上了「多元共融」的趨勢，也明確宣告：Louis Vuitton 不只是一個奢侈品品牌，更是一個全球文化的參與者。

Louis Vuitton Men’s Fall-Winter 2025 Collection

Photo: Louis Vuitton

群體畫面的力量，就在於它同時傳遞了「親密感」與「共同想像」，因此模特兒之間的互動，也營造了一種彼此連結的氛圍，讓觀眾在觀看時，感覺自己正被拉進這個群體。

廣告因此不再只是單純的時尚展示，而是變成了一種社群歸屬的敘事。

誇張構圖下的戲劇張力

最後，還有一個不能忽視的視覺策略：構圖。

許多 2025 廣告以誇張的畫面布局來抓住觀眾注意力，可能是把模特兒放進比例失衡的巨大空間，或利用強烈的透視線條，把所有視線集中到某個點。

Jennie 成為 2025 首爾旅遊宣傳大使

Photo:  @jennierubyjane

這些誇張不只是為了美化，而是一種提醒：眼前的影像並不是「真實世界」，而是一個被建構的舞台，這種舞台感，既保留了時尚應有的戲劇性，又凸顯了當代視覺文化的張力。

從「商品展示」到「文化鏡像」

總結來說，2025 的廣告大片，正在脫離過去單純賣衣服的套路，它們不再只是把服裝拍得漂漂亮亮，而是用各種心理學方式，去編織一個關於文化、權力和身份的故事。

Timothée Chalamet Stars in the BLEU DE CHANEL Campaign

Photo: CHANEL

模特兒不再只是模特兒，而是觀看與權力結構的一部分；廣告也不再只是廣告，而是成為文化態度的載體，這背後反映的，正是時尚產業的焦慮：當社會身份和人際關係被不斷重塑時，品牌也需要找到新的方式，與觀眾建立更深的連結。

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「我討厭有人穿著有顯眼 Logo 的衣服，他們看來就是時尚的奴隸。」

什麼樣的衣服穿上身後最舒適，最能自由地做自己？誰有答案？編輯相信最靠近山本耀司內心的答案，肯定是「忘記衣服，做你自己就好。」

時尚評論家 Tim Blanks 與山本耀司坐下來聊聊天

在 2024 年《System Magazine》延伸企劃《In Conversation》訪談節目中，時尚評論家 Tim Blanks 與山本耀司 Yohji Yamamoto 展開了一場深度訪談。

從巴黎街頭的第一縷菸味，到童年記憶裡對女性的守護，再到 80 歲回望命運，這位自稱「做衣服的人」而非「時裝設計師」的大師，以近乎赤裸的誠實，談論「憤怒」是如何成為他創作的燃料、「誤解」如何塑造他與世界的關係。

以及為何在混亂的時代中，服裝仍能改變人們對「美」的看法。

巴黎，是一縷煙

訪談中山本耀司坦言，在巴黎，自己總能迅速找到屬於自己的位置，不是因為地圖，而是因為氣味。

他記得第一次踏出巴黎地鐵，香菸味氤氳撲面而來，周遭人聲吵雜，卻又像在拌嘴，吵鬧而真實。而此刻他心裡竟然泛起了一個近乎宿命的念頭：「我屬於這裡。」

Photo: MERRY JANE

巴黎之於他，並非浪漫的代名詞，而是一個立即將人拉進現實的地方，16 年前首次長住於此時，山本耀司就順手養成了抽菸的習慣，一縷縷煙霧繚繞成為他生活中的枝微末節，也成為他創作中的起針落線。

「憤怒成為了我的血肉。」

當 Tim Blanks 與山本耀司談到創作的驅動力時，他絲毫不粉飾地說：

「要當一個做衣服的人，得帶著憤怒。」

憤怒？或許讓人有點摸不著頭緒，但山本耀司是這樣解釋的：

「我體內的怒氣是從童年就開始的，記得 4、5 歲在幼稚園裡時，我總在女同學旁邊守護著她們，長大了也本能地想幫忙女性、站在女性那邊。後來想想，或許是因為父親很早就在我的生命中缺席了。戰前父親留給母親的最後一句話，我忘了…，從此就像斷裂的血脈，讓我很早就對軍隊，或暴力行為…等感到怒不可遏。」

「這份情緒在長大後也逐漸成為了我的血肉，疏離、抵抗、保護，都在我的版型與布料上留下了痕跡。」

Photo: Ali Mahdavi, @LisetteKosette

山本耀司一再強調自己不是 Fashion Designer：

「我討厭『時尚』兩個字，覺得太輕飄，我只願稱自己是 Dressmaker。如果當年沒有選擇做衣服，或許我會成為音樂家或畫家，更極端的話，我也很有可能『在監獄裡度日』或『死了』。所以當年選擇做衣服，回看其實是我的最後一個去處。」

於是我們可以理解山本耀司在服裝中所施展的魔法，是有故事性的。

一針一線，都是故事，當中的節奏、留白，透過布料與結構，已經超越了「穿著」本身。

Photo: L’OFFICIEL

另一方面，山本耀司幾乎每次受訪都會提到，自己一開始做衣服只是為了「活下去」。

大家都知道，他的母親靠著幫人縫衣養大了他，但我也忍不住想，會不會真正影響他更深的，其實是那位缺席的父親呢？

那段空白般的父子關係，或許成了他一生的反叛之源，也讓他始終站在女性身邊，透過衣服，去抵抗戰爭、抵抗男性權威。

換句話說，如果沒有那個「空缺」，也許就沒有今日的山本耀司。

Photo: @futura5658, @saisaima

「原創」是什麼？山本耀司自有一套看法

一年做 4 個系列的山本耀司，說他最快樂的時刻，就是創作。

在創作當下，他能感受到自己回到了年少時期，單純因創作本身而快樂，但話鋒一轉，說起現在，山本耀司又矛盾了起來：「做衣服是一種受苦。」

然而，苦難並沒有消磨掉山本耀司，反而讓他越挫越勇，當他第一次將作品帶至巴黎時，有八成記者討厭他，只有兩成喜歡他：

「這是好事，被誤解是必然的，正是因為必須要將自己的心思誠實地攤開，所以才會被一次次批評、謾罵、錯看。但『誤解』正是我與社會之間必要的距離，『誤解』才能讓我創作出新的東西。」

Photo: @wozzi, @Lorenza Martello

當然，山本耀司本人也與「光環」保持一定距離，他認為外界愛他，多半是因為誤會，所以從不以此自負，當然也就不可能因爲不被理解而退縮：「我只在乎是不是能繼續創作，讓家人可以吃飯。」說得樸素，卻更顯迷人。

至於當與 Tim Blanks 談及「智慧」時，山本耀司給出的答案也相當簡潔俐落：「我雖然不是特別臣服於智慧，但我們需要它。年齡增長帶來的可不是無敵，而是對『極限』的覺知，知道邊界是我最重視的事情，因為沒邊沒界的人總是容易闖禍。」

不過，山本耀司卻不是很相信宿命論：

「所謂命運，就是在關鍵時刻做出了正確的判斷，你必須抓住機會、抓住靈感。重點是你抓住了。」

Photo: @gemmaisgem, @carmenlaurapop4

畢竟在山本耀司看來，創作可從來不是為了討好，他並不在乎觀眾，只是一心一意調整自己觀看世界的角度，直到看見別人看不見的部分，山本耀司認為這就是所謂的「原創」。

「你得自由地看。」

在對談中，當然無可避免地討論到時局的動盪混亂，不過對此山本耀司沒什麼大道理可說，只一再強調自己做衣服是為了生存：「但如果能再多做點什麼，我想稍微改變人們對美的認知。」

那些被視為骯髒、破敗，甚至是錯誤的東西，恰恰可能蘊含一種認知外的美，想要看見這樣的美，條件只有一個：

「你得自由地看。」

Photo: @carmenlaurapop4

一如黑色在許多文化習俗中代表著喪禮的顏色，但對山本耀司來說卻代表謙遜與傲氣的並存，甚至是萬物的底色。

回頭看 Tim Blanks 與山本耀司的整段對談，或許會發現服裝之於大師，既是謀生的手段，也是他向世界提問的一種方式，當現代人被規訓成只用一種角度看待事物時，山本耀司卻以服裝提醒我們：

「多點懷疑吧！你會看到另一種美。」

Photo: @Unknown_001, @Seral

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就在開幕數小時後，法國財政部宣布，因平台內容涉及違法商品，政府將啟動程序暫時關閉 SHEIN 法國線上商店，直到公司能證明其網站完全符合法規為止。

 

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Shein 販售兒童情趣娃娃？

事件起因於法國消費者監管機構日前在 SHEIN 網站上發現疑似「兒童化」情趣娃娃的商品，並指出其外觀與敘述具有明顯兒童色情暗示，法國經濟部長 Robert Lescure 表示，「這已經越界」，並下令展開調查。隨後 SHEIN 便宣布全站下架所有情趣娃娃，並暫時關閉成人用品分類，承諾將重新檢視審核流程，而公司同時表態，願意盡快與法國政府對話以解決問題。

實體門市開幕，抗議聲浪此起彼落

SHEIN 選在巴黎市政廳對面的 Le BHV Marais（巴黎瑪黑區百貨公司）設櫃，象徵進軍全球時尚中心。然而，這場開幕卻引起當地勞工團體與零售商反彈，他們批評這家以低價策略聞名的品牌所帶來的不公平競爭，且質疑 SHEIN 剝削勞工與破壞環境，一週前就已經有 BHV 員工發起抗議，開幕當天更有數 10 名民眾聚集在門口舉牌示威，甚至就連反對店鋪開張的線上連署也突破了 12 萬人以上，相當可觀。

Photo: The New York

價格與爭議之間，法國社會的矛盾

儘管抗議不斷，開幕當天仍有排隊人潮，畢竟對許多消費者而言，SHEIN 代表能負擔得起的時尚選擇，對此，BHV 管理層回應媒體時表示：「這次合作是為了滿足大眾對平價服飾的需求。」

但在時尚之都巴黎，這樣的商業決策也再度喚起一個根本的疑問：當低價與速度成為時尚的核心價值，品牌與社會該如何平衡法律、倫理與經濟之間的界線？

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]]> https://thefemin.com/2025/11/shein-faces-boycott-over-paris-store-opening/feed/ 0 https://thefemin.com/2025/09/why-is-ai-yazawas-nana-popular/ https://thefemin.com/2025/09/why-is-ai-yazawas-nana-popular/#respond Sun, 21 Sep 2025 07:49:47 +0000 https://thefemin.com/?p=738751 80、90 後童年時期就算沒追過矢澤愛的漫畫《NANA》，肯定也看過由它所改編的電影《NANA》，該部片不僅捧紅了中島美嘉，也讓創造了經典名曲《Glamorous Sky》。當年作者矢澤愛用她的繪筆創造出前所未有的 NANA 風潮，卻因為個人健康因素在 2009 年宣布休刊。故事停在一半再也沒有進展，徒留眾人惆悵。

今年適逢《NANA》系列漫畫誕生 25 週年，矢澤愛推出漫畫特刊《NANA 的世界》，內容包含漫畫草圖、一些幕後花絮，以及作者專訪。令人振奮的是，她在訪問中透露《NANA》故事已經進入收尾階段，結局走向大致已經確定。不過她也表示，最後也不一定會按照既定的路線發展，但無論故事如何，都會努力讓讀者們看到最後，此消息一出，《NANA》再度成為熱門話題。

 

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等了 16 年，為什麼我們依然掛念《NANA》的結局，究竟這部漫畫有什麼特別之處，能讓這麼多人謹記在心，甚至過了 16 年聽到即將大結局的消息依然這麼興奮？當年它的盛行又創造出什麼風潮？本篇一起來看看它的魅力為何吧。

#1

矢澤愛經典漫畫《NANA》，關於世上的另一個我

《NANA》自 1999 年連載於漫畫月刊《Cookie》 ，由作者矢澤愛創作，她的另一作品《天國之吻》也是不少人津津樂道的經典。《NANA》以兩位同名的少女為主軸，一個名為奈奈（小松奈奈），外型可愛，個性天真爛漫；另一個則是娜娜（大崎娜娜），外表冷酷帥氣，做事果斷、敢愛敢恨，並且夢想成為搖滾歌手。如此截然不同的兩人在前往東京的火車上相遇，因緣際會下成為室友，就此展開了故事。

#2

漫畫映照現實，誰的青春裡沒住過 NANA？

雖說這部作品被歸類為少女漫畫，卻相當「非典型」，它不侷限小情小愛，反而深刻描繪出在大城市追逐夢想的不安與掙扎、人際關係的拉扯與背叛，以及在愛裡的迷惘與自我投射。

集結了搖滾夢、都市生活、戀愛與友情的扶持與挫折，《NANA》裡面的角色心境就像一面鏡子，映照出現實，讀者彷彿能從中看見一部分的自己，讓人看漫畫的同時，重新思考自我與人生。

#3

長大後再看又有新的體悟

小時候我們被娜娜桀驁不馴的性格吸引，嚮往她的獨立果斷，以及對夢想的堅持。而隨著年紀漸長，才終於懂得自我實現與現實的重量。曾幾何時也在自己身上發現了奈奈的影子，戀愛腦、優柔寡斷，開始理解她的孤獨與依賴。

或許以世俗的眼光來衡量，奈奈的人生沒有娜娜來得閃閃發亮，但能夠坦承脆弱、始終保有率真的性格，這樣的勇氣也很難得。裡面的角色塑造的相當立體，讓人又愛又恨，不同人生階段，能獲得不同體悟，這正是這部漫畫的魅力之處。

#4

改編成電影，捧紅中島美嘉

2005 年，《NANA》漫畫改編成電影，由中島美嘉飾演大崎娜娜，宮崎葵飾演小松奈奈。電影成功重現了漫畫中鮮明的人物魅力，上映後票房亮眼，創造出了風靡一時的 NANA 潮。

比如中島美嘉所演唱的《Glamorous Sky》至今仍然是經典，而劇中 NANA 的俐落短髮、身上佩戴的頸鍊、所穿的服裝風格更是蔚為風潮。

#5

創造龐克穿搭風潮，Vivienne Westwood 也跟著爆紅

說到帶動潮流，《NANA》可是對時尚流行產生了極大影響，大崎娜娜的龐克搖滾穿搭、小松奈奈的甜美日系造型，皆成為當時女生們效仿的對象。包含黑色皮衣、鉚釘配件、土星項鍊等元素，2000 年代初的街頭時尚處處都能見到 NANA 的影子，還有在漫畫與電影中被大量運用的時尚品牌 Vivienne Westwood ，人氣也隨之水漲船高。

像是 Vivienne Westwood 在 1987 年發表的 Harris Tweed 系列中的迷你裙、馬甲緊身胸衣；1994 年的格紋大衣；2014 年的 Love Jacket；2019 年 Anglomania 系列中的直條西裝外套；配件鎧甲戒指、搖搖木馬厚底鞋等，造型處處都有著濃厚的 Vivienne Westwood 與英國龐克文化風格影響。

1994 年的格紋大衣

2014 年 Love Jacket

2019 年的直條西裝外套

鎧甲戒指

搖搖木馬厚底鞋

在迷惘、孤單，甚至偶爾灰暗的青春裡，《NANA》陪伴許多人度過。從友情、愛情到追夢路上，它映照出我們內心的躁動不安，也點亮了對未來的嚮往。同時透過時尚與音樂，深深烙印在 2000 年代的流行文化中，成為那個年代集體記憶的一部分。

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Photo: 集英社、kinenote、MADHOUSE、UNIQLO

CELINE 的美學究竟歸誰所有？誰真正擁有美學？

品牌與設計師之間的歸屬辯證

字裡行間雖帶有祝福，卻也暗藏警示，畢竟過去 Hedi Slimane 就曾因與 Saint Laurent 的合約爭議及影像作品使用問題，將 Saint Laurent 告上法院，最終獲得 930 萬歐元（逾 3 億台幣）的賠償。

Hedi Slimane 時期 Saint Laurent 廣告

因此 Hedi Slimane 明確指出，他期待 CELINE 以「創作獨立」為核心，開展一種嶄新且自主的影像敘事，不再依靠他標誌性的攝影美學。

在時尚圈，創意總監的離任往往伴隨一種「翻篇」的氛圍，但 Hedi Slimane 和 CELINE  的情況卻更為特殊，當年他將品牌名稱中的重音符號去掉，並以黑白攝影、搖滾青年的形象和瘦長剪裁，徹底重塑 CELINE 的辨識度，正如他在 Dior Homme 與 Saint Laurent 時期所做的那樣，如今這種獨到的審美，也深深刻進了品牌的基因當中。

Hedi Slimane 時期 CELINE 廣告

現在接任的創意總監 Michael Rider，在首個 2026 春夏系列中仍延續了 Hedi Slimane 的部分語彙：黑白影像、青春姿態，但又融入了 Phoebe Philo 的遺緒，試圖在兩者之間尋找平衡。

Michael Rider 時期 CELINE 廣告

Hedi Slimane 在聲明中補充，他期待見證 CELINE 在新時代的影像重生，並坦言自己依舊對這個法國品牌懷有深厚情感。

這份公開聲明，不僅勾起時尚圈的熱烈討論，也引發另一個問題：當品牌與設計師的美學緊密相連時，究竟誰才是真正的擁有者？更重要的是， Hedi Slimane 是否會選擇開啟自己的品牌，以完整承載他所塑造的美學世界？時尚界正在靜候他的下一步。

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Photo: CELINE

由臺北表演藝術中心、法國國家舞蹈中心（Centre national de la danse, CN D）與 CHANEL 攜手策劃，2025 Camping Asia 將於今年 11 月 10 日至 21 日展開，這場為期 12 天的計畫集結了創作、教育與演出，邀請來自日本、香港、韓國、新加坡、奧地利、法國及臺灣等 16 所藝術院校、近 150 位師生齊聚臺北，將共同開啟一場關於舞蹈與未來的對話。

這不僅是一個專屬亞洲的藝術教育平台，更是一座文化交流的橋樑，讓亞洲與世界的表演藝術在此交會。

透過以下 5 件事，更進一步認識 Camping Asia 這個屬於臺北、也屬於亞洲與世界的藝術盛事。

#1

CHANEL 文化基金的願景

作為此次合作的重要推手，CHANEL 文化基金（CHANEL Culture Fund）持續透過國際合作計畫培育創作者，並支持跨世代的文化實驗，當中從南加州加州藝術學院的科技創新，到柏林漢堡車站美術館的自由實踐；從威尼斯雙年展到英國電影協會，CHANEL 不斷推動文化前行的心意，有目共睹。

而 Camping Asia 正是這份承諾的延伸，將臺北置於全球文化地圖之中，並為未來藝術書寫新的篇章。

#2

臺北的角色為何？

自 2019 年以來，Camping Asia 吸引來自超過 12 個國家的藝術院校參與，2023 年更突破了 7,000 人次，今年包括香港演藝學院、日本女子體育大學、韓國藝術綜合學校、新加坡拉薩爾藝術學院、奧地利安東布魯克納大學、法國巴黎高等美術學院及臺灣的九所學校也將共同加入。

這場盛會不僅將深化臺北作為亞洲當代舞蹈重鎮的角色，也將持續孵化下一世代的文化語彙，臺北在 Camping Asia 的牽引下，或將逐步成為亞洲與世界的文化中樞。

#3

當舞蹈作為語言

Camping Asia 起源於巴黎的 Camping 計畫，北藝中心自 2018 年起加入其中，並從 2019 年開始將此精神引入亞洲。如今，兩年一度的 Camping Asia 已成為臺北的重要文化事件，該計劃將以舞蹈為核心，連結各大藝術院校、獨立創作者與機構，打造一個自由共學的場域。

北藝中心董事長王文儀也指出，舞蹈是無需翻譯的語言，因此此次與法國國家舞蹈中心 及 CHANEL 再度合作，不僅是延續了推動創意與文化永續的使命，也讓臺北成為了亞洲舞蹈網絡中的核心節點，這無疑與 CHANEL 長期支持文化創新與跨世代交流的精神，形成了深刻共鳴。

英國藝術家 Benji Reid 的《即席寫真》（Find Your Eyes）

#4

跨域課程與演出，共構前瞻藝術場域

本屆 Camping Asia 延續了過往一貫的高密度設計，結合每日的專業課程與跨領域演出，打造出全方位的藝術探索平台，其中課程涵蓋早課、專業工作坊、馬拉松式交流、論壇與微電影展，讓參與者能在多層次的實踐中突破自我。

策展人林人中表示，今年的節目特別挑選了 5 部作品，讓舞蹈與科技、聲音、哲學、影像甚至政治現實產生直接對話，同時他也期待年輕創作者能從中發現舞蹈不只是動作的呈現而已，而是一種思想與感知的力量。

法國編舞家 Noé Soulier 的《動作以上以上動作》（Mouvement sur mouvement）

#5

突破形式的舞台實驗場，精彩節目一覽

馬賽國立芭蕾舞團與藝術總監團體「狂徒（LA）HORDE」帶來的《崩世光景》（Room with A View），將舞台設置成宛如一座大理石採石場，與電子音樂及舞者肢體碰撞出末日烏托邦般的史詩場景，而在這青春、毀壞與重生的張力下，實則是對氣候危機、社群疏離與身體焦慮的回應。

馬賽國立芭蕾舞團與藝術總監團體「狂徒（LA）HORDE」帶來的《崩世光景》（Room with A View）

英國藝術家 Benji Reid 的《即席寫真》（Find Your Eyes）則將攝影轉化為現場表演，對此他強調：「這不是單純的拍照而已，而是一場貨真價實的表演。」邀請觀眾共同參與影像的生成外，他也將舞蹈、劇場與攝影融合，創造出極為迷人的影像敘事。

英國藝術家 Benji Reid 的《即席寫真》（Find Your Eyes）

來自澳洲的「塊動舞團 Chunky Move」則帶來《機神祭》（U>N>I>T>E>D），舞者們穿戴上由機車零件組成的裝置，在電音與霓虹光影中挑戰人類極限，演繹出一場關於靈性與機械共生的賽博儀式。

澳洲「塊動舞團 Chunky Move」的《機神祭》（U>N>I>T>E>D）

法國編舞家 Noé Soulier 的《動作以上以上動作》（Mouvement sur mouvement）則像一場舞台上的哲學辯證，他在表演中同時思考動作與語言的關係，讓觀眾見證身體如何抵抗語言、又是如何與語言交織合一的。

法國編舞家 Noé Soulier 的《動作以上以上動作》（Mouvement sur mouvement）

波蘭編舞家 Ola Maciejewska 向現代舞先驅 Loïe Fuller 的「蛇行舞」致敬的《洛伊・富勒：研究一下》（Loïe Fuller: Research），則透過光束與絲綢營造出新的舞台感官經驗，讓 Loïe Fuller 的「蛇形舞」在當代獲得全新詮釋。

波蘭編舞家 Ola Maciejewska 的《洛伊・富勒：研究一下》（Loïe Fuller: Research）

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Photo: CHANEL

Photo: @8lo8lo8lowme

G-Dragon 重現藝術史上的經典場景

若將畫面與藝術史連結起來，答案便清晰許多，這張照片，被不少網友認為其實正是 G-Dragon 向英國藝術家 David Hockney 的經典之作《Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）》致敬。

《Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）》

Photo: CHRISTIES

這幅畫作是 20 世紀最具代表性的圖像之一，也是 David Hockney 藝術生涯中最為人熟知的作品之一。畫中，一名身穿粉紅西裝外套的金髮青年，正低頭凝視著泳池裡游泳的另外一個人，兩人視線並未相交，卻在同一個畫面中被強烈連結，營造出複雜而曖昧的氛圍。

這種凝視與距離，既是對人際關係的寓言，也是對情感裂痕的隱喻，而 G-Dragon 的致敬照，正好複製了畫中凝望的瞬間，再現跨越半世紀的經典場景。

《Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）》的準備照片，拍攝於 1972 年，地點是法國南部聖特羅佩附近的 Le Nid du Duc 別墅

Photo: CHRISTIES

它承載著一段失落的戀情，佳士得稱之為：「對一生唯一愛情的生動註腳。」

《Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）》最初的靈感來自偶然，1971 年， David Hockney 在工作室地板上發現兩張無關的照片，一張是扭曲的水下泳者，另一張是低頭凝視地面的男孩，這兩張影像的巧合，立刻讓他萌生了將「兩個不同風格的人物放在同一畫面」的想法，於是 David Hockney 開始創作，卻在經歷數月反覆修改後，最終親手將第一個版本毀掉。

直到 1972 年，他準備參加紐約 André Emmerich 畫廊的展覽，才決定重啟計畫，David Hockney 帶著相機前往法國 Saint-Tropez 的別墅，以助手與好友為模特兒，拍攝了數百張參考照片，隨後回到倫敦工作室日夜作畫，每天投入 18 小時，終於在作品運送到美國的前一晚完成這幅巨作。

David Hockney 連續兩週每天工作 18 個小時，最後在《Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）》運往紐約的前一天晚上完成了這幅作品

Photo: Jack Hazan / Buzzy Enterprises Ltd.

David Hockney 後來回憶道：「我必須承認，我非常喜歡那段創作的時光，那種全心投入的強度，令人興奮不已。」

畫中的青年形象，正是 David Hockney 的前任戀人 Peter Schlesinger，兩人相識於洛杉磯，當時 Peter Schlesinger 還是他的學生，David Hockney 曾以 Peter Schlesinger 為繆思，嘗試將他的年輕與美貌定格在畫布之上。

David Hockney 在倫敦肯辛頓花園拍攝了 Peter Schlesinger 的照片，並以此為基礎創作了站在泳池邊身穿粉紅色西裝的人物

Photo: Jack Hazan / Buzzy Enterprises Ltd

然而，這段感情最終不免走向破裂，因此這幅作品也順理成章地成為了一段愛情殘影的紀錄，有人說，泳池裡的泳者正是 Peter Schlesinger 的新戀人，這番說法無疑讓這幅作品更具情感張力了。

也有另一派說法表示，站在池畔上的是 David Hockney 本人，泳者正是 Peter Schlesinger，彷彿凝視者的冷靜與水中身影的疏離，構成了愛情消逝後的矛盾與心碎。

David Hockney 與 Peter Schlesinger

Photo: The Value

泳池意象為何？

提及這幅畫，就不得不談論到 David Hockney 對泳池的著迷。1964 年，他初次抵達洛杉磯，從機窗往下望去，藍色泳池點綴在後院與山丘之間，這放在英國仍是奢侈的景象，卻在加州成為了尋常日常，這個瞬間，彷彿讓他找到了終身的創作主題。

然而，如何表現水面的清澈與漣漪感，對畫家來說卻是一大挑戰，水既沒有固定形狀，也沒有既定色彩，如何在平面畫布上呈現出它的流動與透明？

《Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）》，1972 年，私人收藏

Photo: DAILY ART MAGAZINE

David Hockney 就透過藍色的色塊、白色的線條、粉紅與黃色的波紋，描繪出水波的折射與閃爍，他甚至將這些符號性的水紋帶進現實，親手在自己洛杉磯家中的泳池底繪上符號狀的粉藍水波，讓家成為一幅「可游泳的畫作」。

最終，泳池意象成為了 David Hockney 藝術畫作中不可或缺的符號，既代表加州陽光下的自由生活，也象徵他對男性身體與情感關係的探索，除此之外，《A Bigger Splash》、《Peter Getting Out of Nick’s Pool》等作品，也皆是以此為核心，逐步建構出鮮明的藝術語言。

《A Bigger Splash》

Photo: THE CULTIVIST

拍賣紀錄與文化傳奇

2018 年 11 月，這幅《Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）》在紐約佳士得拍賣會上以 9031 萬美元成交，刷新了當時「在世藝術家」的拍賣紀錄，超越了 Jeff Koons 的不鏽鋼氣球狗。

拍賣現場經過 10 分鐘的電話競價，最後落槌時，全場爆出掌聲，這一刻，不僅將 David Hockney 推上了藝術市場的高峰，也讓這幅作品成為大眾文化的話題中心。

消息傳出後，周杰倫在 Instagram 上曬出一句”It’s coming home.”並附上一張他在泳池邊模仿畫作姿態的照片，瞬間引發熱議，讓人猜測「這幅畫的神秘買家是不是周董？」，雖然後來證實真正的藏家是台灣企業家陳泰銘，但周杰倫的貼文與行動，仍為這幅作品加上了明星效應的註腳。

2023 年，這幅作品在倫敦泰特現代美術館與國巨基金會（由陳泰銘創辦）合作的展覽中亮相，標示為基金會典藏，正式揭曉了其歸屬，從此，這幅畫的故事，大眾所聚焦的不再只是關於藝術市場的金額紀錄，而是一段交織藝術、愛情與收藏文化的傳奇。

 

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從 David Hockney 到 GD 與周杰倫，經典如何持續發聲？

這次 G-Dragon 的一張照片，讓許多人再次將目光投向 David Hockney 的藝術作品，從 1970 年代的加州後院，到今日亞洲流行文化的明星演繹，泳池邊的凝望已成為跨越時代的姿態。

對 G-Dragon 而言，這或許是一種時尚與藝術的對話，他透過姿態再現畫中的神韻；對周杰倫而言，這無疑是收藏家的自我宣言，將名畫轉化為生活的一部分，無論是致敬還是擁有，他們都共同將這幅畫推進了大眾的視野。

David Hockney 如今已 88 歲，被譽為「英國藝術教父」的他，一生跨足油畫、水彩、攝影與舞台設計，不斷與時代技術對話，他的創作始終圍繞著人際關係與觀看方式的探索，而泳池系列則將這種探索推向了高峰。

David Hockney 與 Peter Schlesinger

Photo: DAILY ART MAGAZINE

其中，《Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）》無疑是最鮮明的象徵，它既是愛情故事的殘影，也是對形式美學的挑戰，更是一個時代文化的縮影。

泳池邊的凝視，從未停止，它穿越了畫布、相機與社群平台，持續提醒我們：藝術不只是觀看的經驗，更是人與人之間，難以言喻的情感連結。

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