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懷舊的插畫風格惹人愛

Zara Home x The Animals Observatory 

Zara Home 近日與西班牙童裝品牌 The Animals Observatory 推出最新兒童居家聯名系列，以角色 Limoncella 的旅行故事為主題，結合了 The Animals Observatory 指標性的大膽配色與 Zara Home 的居家美學。

雖然是專門為兒童所打造的系列，不過很多品項大人們也能收，而且質感可一點都沒馬虎。

有著可愛懷舊復古的插畫風格，主角 Limoncella 熱愛旅行，從世界各地的古董市集收集了眾多物件，匯集而成系列中的印花與造型，包含刺繡寢具、睡衣、家具、家飾、餐盤以及文具，還有令大人也心動的絨毛玩偶。

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>>> 又在 Zara Home 的兒童區挖到寶了，這次是玩具總動員聯名家居系列

Photo:Zara Home

 

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#1

皮革文具店

將千萬思緒寫進 Polène 的皮革筆記本裡

為慶祝首期雜誌的盛大面世，Polène 特別打造了概念空間「皮革文具店」“Leather Stationery”，選址巴黎蒙馬特街 67 號，內裝設計以高倍望遠鏡的外型為靈感，旨在為觀眾帶來視覺盛宴。

走進這個流動的創意工坊裡，會感受到皮革與紙張兩種藝術形式巧妙交織的魅力，而秉持著永續環保的理念，「皮革文具店」所有門店裝飾及櫃台均循環利用，接力在倫敦、紐約和東京快閃店等地重複使用，為環保事業貢獻一份力量。  

「皮革文具店」所推出的獨家創作系列，靈感都源自雜誌本身，宛如都市喧囂中的一片靜謐綠洲，邀請人們駐足片刻，細細品讀雜誌或聆聽其中一章的精彩內容。

現場備有明信片、海報、皮革書籤，以及折紙風格的貼紙和飾品等，激發無限想像空間，並攜手韓國品牌 Odujej 合作推出的彩色鉛筆，造型宛如錯視畫中的鵝卵石，俏皮趣味。

另外，店內也販售皮革封面筆記本（共有兩種尺寸和風格）和「畫家」小掛飾，其中筆記本由 Polène 的工匠們現場壓印及組裝筆記本封面，手工編織書脊，並飾以專為四個城市設計的精緻壓紋 Longue Vue 徽章，現場製作，不僅守護你腦中的萬千思緒，也讓這份美好更加完美無瑕。

 

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Polène 皮革文具店
日期：2026 年 3月 4 日至 5 月 3 日
時間：週三至週日，中午 12 點至下午 2 點，下午 3 點至晚上 7 點 30 分開放
地址：67 Rue Montmartre, Paris

#2

《Longue Vue》年刊

全新的藝術表達形式

《Longue Vue》首期雜誌以“Play of Perspectives”（一覽）為題，透過宏觀視野與微觀細節，層層揭開 Polène 創作的神秘面紗。

作為 Polène 全新的藝術表達形式，《Longue Vue》提供六種語言選項，更邀請來世界各地、不同領域的學者撰文，以及多位藝術家以獨特視角深入探索自身與「一覽」之間的微妙關係。

 

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包含義大利哲學家、法國高等社會科學研究院講師 Emanuele Coccia 撰寫序言；法國小說家、記者兼編劇 Aude Walker 從 Polène 的 Plèi 系列創作理念中汲取靈感，敏銳捕捉到「*碎片」概念中潛藏的無限可能，將品牌創作理念融入短篇小說中。

英國攝影師 Ben Beagent 分享了他對無限小的微觀世界與無垠地平線的獨到見解；中國玻璃藝術家趙瑾雅則以細膩入微的筆觸，描繪了工藝的多面性及其所蘊含的豐富情感：還有英國插畫師 William Luz 以 Polène 經典設計造型為靈感源泉，創作出一幅色彩斑斕的風景畫，為時尚世界增添了一抹童趣。

*在法文中，「碎片」一詞具有雙關含義，既指「碎邊角料」，又指「掉落」，對應文中紙箱掉落的情節

此外，品牌工坊的工匠們也擁有屬於自己的篇章，他們以親身經歷娓娓道來，講字里行間，閱讀之旅宛如悠閒的漫步，讓人在文字、色彩斑斕的素描與照片之間自在徜徉。版面設計別出心裁，只為更好地呈現內容精髓。內容豐富且獨特，喜歡收藏雜誌的書迷們可別錯過！

所有 Polène 店內均備有《Longue Vue》雜誌，供讀者選購。

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>>> 想購入不用再飛到巴黎，Polène 於東京開設旗艦店，旅遊日本時就能親身試背

>>> 順著肩線滑落的輕聲細語，Polène Paris 用 Neyu 重新定義貼身之美

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Photo: Polène

 

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HAY Outdoor Market by Jasper Morrison Shop

HAY 近日和英國知名設計師 Jasper Morrison 合作，帶來全新 Outdoor Market 系列，顧名思義，這個系列以戶外日常為靈感，無論是週末露營、公園野餐還是在陽台上享受片刻愜意時光，都讓露天生活充滿了無限可能。產品涵蓋了折疊家具、便攜炊具、吊床等產品。

Jasper Morrison 的設計以”Super Normal”聞名，講究簡約、低調、強調功能性，他認為物件不應該為了吸引注意力而失去了實用性，而是要在兼顧設計與功能之餘，自然地融入日常，而他在倫敦開設的店舖 Jasper Morrison Shop 也因推崇簡單、實用且經常是匿名設計的物件而深受喜愛。這樣的理念與 HAY 的設計精神完美相符，遂誕生了這個多功能戶外必備品系列。

系列中包含輕量櫸木摺疊家具、不鏽鋼營火架與燒烤爐等單品，其中，家具與配飾上的條紋織物靈感來自 Basque Country 的傳統圖案，並以 100% 回收聚酯纖維編織而成，在設計感與永續理念之間取得平衡。

HAY Outdoor Market by Jasper Morrison Shop 系列將於 3 月 4 日起在 HAY 直營門市與指定零售商搶先開賣，4 月 1 日全面上市；目前港台尚未公布發售消息，有興趣的讀者可以持續關注。

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>>> 用燭光營造溫暖氛圍，在 HAY 官網找到好多色彩繽紛的蠟燭和燭台

>>> IKEA 新聯名真有一套，攜手色彩設計師 Tekla Evelina Severin 帶來多款超有趣的喇叭

Photo:HAY 

 

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Aesop 《Seven Rooms》展覽，帶來 7 種理想生活提案

Aesop 在東京 SKAC（SKWAT KAMEARI ART CENTRE）舉行《Seven Rooms》（7 間房間）展覽，展覽裝置靈感來自小津安二郎的電影《早安》中的居家場景，充滿傳統日式老宅的氣息。

整個展覽由 6 個房間與一條走廊構成，包含浴室、書房、廚房、工作室、臥室與茶室。與其說是空間展示，更像是 7 種理想生活的提案，而 Aesop 產品更巧妙融入復古家具與生活物件之中，成為這些理想日常的一部分。

穿梭《Seven Rooms》中，沉浸在光影與氣味感官，讓人不自覺放慢腳步。參觀者還可以帶上一本書到這裡交換，並帶著新書離開，週末還可預約感官體驗工作坊，以及建築師講座課程。

展期至 3 月 1 日（週日），如果近期剛好有到東京旅遊，不妨安排一站到《Seven Rooms》看看吧。

Aesop 《Seven Rooms》展覽資訊

• 時間：2月20日（星期五）至3月1日（星期日） 11:00-19:00
• 地點：SKAC（SKWAT KAMEARI ART CENTRE）
  〒125-0002 東京都葛飾区西亀有3丁目26-4
• 免費參觀，無需預約；週末活動需到官網提前預約

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>>> 如果有 Aesop 歌單，那是什麼旋律？用「厄勒俄斯滋潤身體潔膚露」洗澡搭配音樂清單

>>> 可以買香水還能喝咖啡！由百年老宅改建而成，Le Labo 「京都町家」開幕

Photo: Aesop, Skwat site

 

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韓國藝術家 Anna Seo 以溫暖筆觸，捕捉與毛孩共處的日常

這些可愛狗狗與貓咪的畫作來自韓國藝術家 Anna Seo 서안나 的作品，色調輕柔、視角風趣幽默，她的創作靈感源自日常生活，尤其是與她一起生活的兩位毛孩——小狗 감자（馬鈴薯） 和小貓 우리 常常是她畫筆下的主角。

小狗 감자

小貓 우리

Anna Seo 擅長捕捉生活中平凡寧靜卻令人會心一笑的時刻，像是小貓爬上櫥櫃搗蛋、窩在紙箱照燈取暖、小狗盯著餐桌食物…等，讓人看了都忍不住嘴角上揚。她將和這些動物相處的珍貴時光，透過繪畫紀錄在畫布上，在她眼中，毛孩們不只是可愛而已，更是生活中不可或缺的慰藉與陪伴者。

Anna Seo 的畫作有種透明且溫暖的質感，除了多採用低飽和的配色外，她以特殊手法將顏料薄塗並反覆堆疊，進而營造出溫潤的微光，顏色不強烈，卻帶著柔和的亮度，讓人感到平靜。

一天過去，也許忙碌、也許平平無奇，但只要身旁有毛孩靜靜陪伴，又有力氣迎接嶄新的明天了。

Folloe Anna Seo

Website / Instagram

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>>> 貓咪虐我千百遍，我待貓咪如初戀？愛貓的心情，日本藝術家 Poshichi Rou 最明白

>>> 當法式優雅體現在插畫上，藝術家 Anaïs Lefebvre 再現 1930s 復古線條的美

Photo:@annaseo_

威秀影城推出 Snoopy 小籠包系列

最近到威秀影城除了看電影，還要搶周邊，最近他們將台灣代表美食小籠包與卡通角色結合，全新推出的「Snoopy 小籠包系列」，看起來可愛又可口，外層摸起來是柔軟舒適的絨毛材質，頂部還有皺摺。

最可愛的是，裡面的內餡還有口味之分，包含蔥肉、絲瓜、鮮蝦、蟹黃，一共推出 4 款：Snnopy 為蔥肉、絲瓜、鮮蝦內餡，Olaf 則包了蟹黃。

另一款 Snnopy 和 Olaf 還戴上廚師帽，手拿蒸籠，變身小籠包師傅；還有木製「DIY 小籠包店舖場景筆筒」，也相當可愛。

Snoopy 小籠包系列將在 2 月 13 日於威秀影城開放預購，詳情可至威秀官網查詢。

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>>> 可愛成這樣誰不愛！威秀影城再出手，Snoopy 化身超 Q 玉兔月餅

>>> 「Snoopy 粽子」太可愛！今年端午節除了立蛋、划龍舟，還得去一趟威秀影城

Photo:威秀影城

 

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Samsonite 為 Minter 系列換上浪漫櫻花粉⾊

Minter 系列以垂直條紋設計與柔和⾊調為特色，一直是 Samsonite 相當受歡迎的系列，這回全新配⾊的櫻花粉⾊版本，在延續其經典輪廓外，更多了一份春⽇浪漫氣息。

打開行李箱後，內裡同樣藏有驚喜——有別於其他 Minter 系列，這次櫻花粉配色的內裡改換上櫻花圖案設計，與外觀⾊彩相互呼應，並展現 Samsonite 對可持續發展的承諾，採用 100% 消費後回收 PET 瓶製成的 RECYCLEX 環保提花布料，從裡到外都是巧思。

不只漂亮，實用度也一點也沒落下

搭載 Aero-Trac II 震滑輪，Minter 系列推起來滑順安靜，讓你移動更輕鬆；另外還配置前掛鉤、TSA 008 密碼鎖、防盜雙拉鍊等設計，以及可拆卸隔板也讓收納變得更有彈性。

而為滿⾜不同旅程，櫻花粉⾊的 Minter 系列推出  20吋、25吋、28吋，以及首次加入的 30 吋 Trunk 型共 4 種尺⼨，無論是短途出差還是長途旅⾏，皆能找到理想之選。

為迎接新春，Samsonite 準備了滿滿的贈禮。即日起，只要於香港及澳門 Samsonite 專門店、百貨專櫃或官方網店 購買櫻花粉 Minter 系列，就能獲得結合印花與刺繡工藝的 櫻花利是封禮盒，以及櫻花圖案手提包與象徵平安祝福的旅行御守，為新的一年送上好運與祝福。

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>>> 你也能住進 NOT A HOTEL 了！全新飯店品牌 HERITAGE 及 vertex，首個項目就在京都和沖繩

>>> 這個冬季最美的大地色系，RIMOWA 捎來季節新色 「灰礫色」與「赤陶色」

Photo: Samsonite

 

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Birkenstock x Danielle Frankel 聯名，帶來獨家膠囊系列

向來很會聯名的 Birkenstock 這次又突破我們的想像，找來紐約婚紗品牌 Danielle Frankel 合作，推出獨家膠囊系列。

此系列設計保留了 Birkenstock 的標誌性輪廓，並注入 Danielle Frankel 婚紗系列的美學，除了加入帶有閃耀光澤的材質外，還裝飾了珍珠、繡花等精緻細節，包含 Arizona Pearls、Arizona Satin、Bespoke Arizona 、Madrid Satin、Tulum Pearls以及Bespoke Boston一共 6 款。

Birkenstock 經典的 Arizona 鞋款換上象牙白絲緞材質，上頭還有細緻珍珠滾邊以及雪紡刺繡花卉點綴；另一雙以 Boston 鞋款為核心，搭配象牙色皮革，鞋面飾以訂製手繪花卉圖案，都讓原先休閒輕便的鞋款變得好夢幻浪漫。

Birkenstock x Danielle Frankel 聯名預計 2026 年 2 月 12 日 正式發售，線上已經可以預覽，價格大約落在 660 美元至 950 美元之間，換算港幣5,153 – 7,417／台幣約20,767 – 29,892，有興趣的讀者朋友不妨到官網查看詳細資訊。

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>>> 這就是最棒的聖誕禮物！Birkenstock x CNCPTS 羊毛氈 Boston 登場

>>> Birkenstock 再度與 Kith 合作，這次為 Boston 編織版本帶來 3 款新色

Photo: Birkenstock

今年三月，V&A 將帶來英國首場 Schiaparelli 回顧展《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》，期望藉此告訴觀眾，時尚從不只是表面，而是歷史脈絡、藝術與文化的交疊，更是一種回應世界的方式。

 

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讓服裝不再只是服裝

義大利時裝設計師 Elsa Schiaparelli 是一個難以被歸類的存在，說她是 20 世紀最讓人難忘的設計師也不為過，她不是受過正統裁縫訓練的設計師，也不曾急於打造可被複製的風格語言，早年遊走於羅馬、倫敦與紐約之間，對藝術、文學與哲學是她最初的興趣。因此，當 Elsa Schiaparelli 在 1920 年代末闖入巴黎時裝界時，觀眾看到的並不是什麼「新輪廓」，而是一種近乎冒犯的提問。

「在逆境裡，時尚總是離經叛道。」（In difficult times, fashion is always outrageous.）– Elsa Schiaparelli

設計師 Elsa Schiaparelli (Photo by Fredrich Baker/Condé Nast via Getty Images)

Elsa Schiaparelli 肖像 (Photo by Man Ray, 1933 © 2025 Man Ray 2015 Trust. DACS, London. Photo/ Collection SFMOMA. The Helen Crocker Russell and William H. and Ethel W. Crocker Family Funds purchase.)

Elsa Schiaparelli 理解身體是一個可以被解構、被重寫的場域，因此毫不避諱地將超現實主義引入時裝語彙，與 Salvador Dalí、Jean Cocteau、Man Ray 等藝術家合作，把夢境、潛意識、荒謬感直接縫進衣服裡，龍蝦、抽屜、骨骼、眼淚….，這些原本不屬於上流社會的「優雅」元素，被她赤裸裸地放在身上，把衣著變成一種宣言。

此外，在那個高度父權的時代，她並未將女性視為被動的展示對象，而是讓服裝成為女權意識的一部分，以企業家的身分經營品牌，同時也用創作者的姿態，重新定義時裝與藝術之間的距離。因此，Elsa Schiaparelli 的作品往往帶著一種難以用「美」字概括的戲劇性，觀眾們彷彿能感受到身體的凝視。

Elsa Schiaparelli 1937 年和 Dalí 合作的龍蝦洋裝

Elsa Schiaparelli 1935 年和 Dalí 合作的龍蝦電話

Elsa Schiaparelli 1951 年的設計

#2

拒絕被馴服的視覺實驗

《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》 是 V&A 首度為 Schiaparelli 舉辦的大型回顧展，時間橫跨 1920 年代至今，期望呈現品牌如何在不同世代中走出自己的道路。展覽策展特別聚焦 Elsa Schiaparelli 作為企業家的身分，以及那些鮮少曝光的作品，同時也是首次在博物館脈絡下，完整呈現 Schiaparelli 倫敦分店的發展、其獨立而前衛的客群，以及 Elsa 本人對這個據點的深度參與。

收錄於1936年《Vogue》雜誌裡的照片，兩名模特兒身穿 Schiaparelli 的洋裝 (Photo by Cecil Beaton, Condé Nast via Getty Images)

展出超過 200 件作品，集結成一條流動的時間軸。從服裝、配件、珠寶、香水到珍貴的歷史檔案，讓觀眾得以看見品牌如何在藝術、時尚與流行文化之間來回遊走。

當中的展覽亮點，包括館藏經典 Skeleton 與 Tears 洋裝，以及與 Salvador Dalí 合作的 Shoe Hat，同時穿插 Pablo Picasso、Jean Cocteau、Man Ray 等知名藝術家的作品，它們至今仍帶著強烈的視覺衝擊，在當代語境中顯得更加直接，毫不過時地帶出身體、情緒與觀看權力之間的關係。

Elsa Schiaparelli 和 Salvador Dalí 於1938年設計的 Skeleton Dress (V&A © 2025 Salvador Dali, Fundació Gala-Salvador Dalí, DACS. Photograph © Emil Larsson)

V&A 館長 Tristram Hunt 在新聞稿中表示：「《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》希望向時裝史上最具創意、也最勇於突破的設計師之一致敬。V&A 擁有世界上最重要的時裝典藏之一，同時也是英國收藏 Schiaparelli 作品最完整的博物館。Elsa Schiaparelli 與藝術家及表演藝術之間的緊密合作，讓她與她所創立的品牌，成為一場屬於 V&A 的大型展覽再適合不過的主題。」

（左）Schiaparelli 1938 年秋冬系列的頸鏈 (Photograph © Emil Larsson)（右）Elsa Schiaparelli 和 Jean Cocteau 於 1937 年設計的 Evening coat (London, England © 2025 ADAGP DACS Comite Cocteau, Paris. Photograph © Emil Larsson)

Schiaparelli 執行長 Delphine Bellini 也提到：「Elsa Schiaparelli 無所畏懼的想像力與前衛視野，重新劃定了時裝與藝術之間的界線。這次展覽不只回顧她與 20 世紀藝術大師的經典合作，也呈現她如何在創意與商業之間找到全新的平衡。V&A 憑藉其深厚的館藏與策展專業，提供了一個極為理想的舞台，讓 Elsa 的創作精神得以與 Daniel Roseberry 的當代設計並置——那些延續超現實語彙的雕塑感輪廓，在致敬之餘，也為品牌開啟了屬於這個世紀的新篇章。」

#3

重新學習如何觀看

除了歷史脈絡，策展敘事一路延伸道現任創意總監 Daniel Roseberry 的當代創作，他在芳登廣場 21 號的品牌原址上，延續了 Elsa Schiaparelli 對人體藝術與誇張結構的迷戀，讓這個品牌在紅毯與影像文化中，再次成為一種無法被快速消化的存在，也點出《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》 不只是回顧展，更像是一次衝擊之旅，讓觀眾在參觀時，不會只是停在作品前拍照留念，而是會被提醒說，時裝也可以是一種實驗，可以是一種對觀看方式的挑戰。

收錄於英國版《Vogue》的照片，Schiaparelli 的蝴蝶鑲邊無領外套和帽子 (15 MARCH 1937. PHOTOGRAPH BY HORST P. HORST. Horst P. HorstConde Nast via Getty Images)

當時尚越來越追求即時性與可讀性，Schiaparelli 的作品維持一慣的叛逆，它們不提供安全的美感，也不急於被理解，而是迫使觀看者停下來，意識到自己習以為常的視線本身，可能就是問題的一部分。

在這些衣服面前，人們往往會感到一絲不適——那並非來自怪異，而是來自過於誠實。當身體不再被修飾成平滑的表面，情緒也不再被隱藏在剪裁之後，服裝在此不再是風格選擇，而是一種姿態，一種拒絕被馴服的觀看方式。

 

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Daniel Roseberry 設計的長袖禮服，出自 Schiaparelli 2021秋冬高訂系列 (Patrimoine Schiaparelli, Paris)

Daniel Roseberry  設計的 Schiaparelli 2024 秋冬高訂系列 (Photo © Giovanni Giannoni. Photo courtesy Patrimoine Schiaparelli, Paris)

《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》 展覽資訊｜
地點：V&A South Kensington（官方頁面）
展廳：The Sainsbury Gallery
展期：2026年3月28日至2026年11月8日

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Photos: V&A, Maison Schiaparelli

勞力士攜手衛武營，將「眾人的藝術中心」推向國際

由荷蘭建築師 Francine Houben 操刀，衛武營以當地常見的榕樹群為靈感，將盤根錯節的樹冠意象，轉化為建築本體的白色波浪曲線，核心空間「榕樹廣場」特地採用無圍牆設計，半戶外的鋼鐵頂棚則如同樹蔭的延伸，讓微風、光影和人群在空間中自由穿梭，不僅模糊建築內外的邊界，也體現「眾人的藝術中心」之願景。

此次和勞力士的合作，可視作是衛武營作為「眾人的藝術中心」的完美實踐，同時代表對藝術能量的深耕與拓展，而雙方合作的宗旨正在於促成國際藝術大師與在地藝術舞台的交流。勞力士臺灣分公司總經理林人和對此表示：「透過這次合作，我們不僅禮讚傳統，也開啟創意與文化交流的新機會。表演藝術能跨越界限，凝聚社群，激發對話；藉由此夥伴關係，衛武營與勞力士再次重申我們的承諾—持續為在地與國際觀眾帶來更豐富的文化體驗。」

左起：勞力士台灣總經理林人和、勞力士大中華區行政總裁馬思明 (Maxim Lamarre) 、衛武營國家藝術文化中心藝術總監簡文彬、衛武營國家藝術文化中心營運副總監黃國威 

匯聚世界級傑作，合作首章即將即將揭幕

製錶與藝術，表面上來看是兩個不同領域的跨界合作，但若從精神層面來看，兩者其實相當契合——無論是製錶工藝或舞台藝術，皆講求對創意、工藝與完美的極致追求。

過去，勞力士與全球多家頂尖歌劇院與表演藝術中心建立合作夥伴關係，讓卓越的創作得以跨越時間延續，包含：米蘭斯卡拉歌劇院（Teatro alla Scala）、倫敦皇家芭蕾暨歌劇院（Royal Ballet and Opera）、紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）、巴黎國家歌劇院（Opéra national de Paris）、布宜諾斯艾利斯的哥倫布劇院（Teatro Colón）等，也涵蓋薩爾斯堡音樂節（Salzburg Festival）、聖靈降臨節音樂節（Whitsun Festival）以及維也納愛樂（Vienna Philharmonic），如今，衛武營也躋身勞力士藝術夥伴版圖中。

而雙方合作的首章，將於 2026 年 3 月 21 日揭開序幕。當代最受矚目的假聲男高音之一、同時也是勞力士代言人的 Jonas Kaufmann，將攜手金蘋果古樂團（Il Pomo d’Oro）登上衛武營舞台，呈獻《Beyond》（超越）音樂會，為台灣觀眾帶來與國際同步的藝術饗宴。

Jakub Józef Orliński

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Photo: Rolex

致力打造全新的生活方式，日本新型態旅宿品牌 NOT A HOTEL 以「可作為飯店經營的住宅」為概念，邀請世界級創作者設計獨特住宅，不只作為旅居空間，更是激發靈感的生活場域，結合設計、美學與自在生活。

 

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過去，NOT A HOTEL 的項目採取會員制，透過購買部分產權，而獲得在各地別墅的住宿權，讓會員共享物業；而在 2025 年底，NOT A HOTEL 推出了兩個開放給大眾的全新飯店品牌—— HERITAGE by NOT A HOTEL 與 vertex by NOT A HOTEL，不只是打造飯店，更像是一個把歷史、文化、自然與現代設計融合的實驗，讓人踏進空間的每一刻，都能感受到周遭的故事與細膩設計。

 

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HERITAGE by NOT A HOTEL：賦予歷史建築新生

HERITAGE 的概念很特別，它致力把如寺廟、博物館、町屋等傳統建築，以現代的視角重新演繹，並將飯店營收回流，用於建築修復與文化保護，讓在地文化資產能持續生存下去。

 

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NOT A HOTEL 提到，日本各地有許多珍貴建築資產，因為維護成本高、資金不足，很多閒置甚至逐漸毀損。

HERITAGE 飯店模擬示意圖

光是京都市的調查就顯示，7 年內有約 11.7% 的町屋消失，文化資產流失問題非常嚴重——因此，NOT A HOTEL 把第一個 HERITAGE 旅宿項目，選在乘載安平時代氣息的京都東寺（Kyōō Gokoku-ji），這裡曾是寺廟提供給僧侶和朝聖者休憩、住宿的空間，如今則被聯合國教科文組織列為世界文化遺產，NOT A HOTEL 決定透過 HERITAGE 延續這個場域作為心靈庇護所的角色，在修復、保護文化的同時，連結過去與未來，為現代人帶來平靜與舒適。

HERITAGE 飯店模擬示意圖

HERITAGE 計畫的核心，是讓文化資產與現代生活交融，不只是保存，而是將這些歷史建築轉化為現代人可以居住、聚會、體驗的空間，讓文化資產「活起來」，並傳承給下一代，也讓人們能在日常生活中感受到歷史的溫度。

將來，HERITAGE 不只停留京都，而計劃將這種住宿模式推廣到全日本，重新活化更多被忽視的文化建築，打造「明日傳承」。

HERITAGE 飯店模擬示意圖

vertex by NOT A HOTEL：設計與自然的共生

至於 vertex 則延續 NOT A HOTEL 和世界級建築團隊合作的模式，首個項目選在位於沖繩的海岸與森林交界，由 Zaha Hadid Architects（ZHA）操刀設計，也是該事務所首個在日本的飯店計劃，將建築、自然與文化融合，打造一個既舒適又具藝術感的度假空間。

 

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基地前方是碧藍海水與白色沙灘，背後是茂密森林，地面還鋪著四十萬年前形成的琉球石灰岩。

vertex 飯店模擬示意圖

ZHA 選擇將建築「懸浮」於地景之上，降低對森林和沙灘生態的干擾，維持基地的生物多樣性。建築線條順應地形與海岸線，退縮的露台、中庭和花園，就像大地自然延伸的模樣，住客每一個角落都能感受自然的呼吸；飯店整體使用抗風、抗震設計，並把整體抬升 6.5 公尺以上，讓夏季季風導入自然通風，減少空調使用，入住既舒適又自然。

材質部分，ZHA 延用沖繩工藝精神，將沖繩松木、當地石灰岩、在地工坊製陶等，細膩地融入空間，呼應周遭景觀，也延續文化記憶。此外，也利用模組化結構與預製構件降低對生態的影響，構件表面色調呼應珊瑚沙灘，甚至使用回收建材，體現循環建築的理念。

vertex 的屋簷與棚架也是亮點，階梯式延伸的遮蔽結構，不僅呼應地形，也提供半戶外休憩空間，讓你白天能曬曬太陽、晚上還能看星星，致敬沖繩傳統屋簷設計，讓現代人也能體驗傳統智慧的美好。

vertex 飯店模擬示意圖

住進設計與文化的生活

HERITAGE 與 vertex 雖然背景不同，但核心理念相似。NOT A HOTEL 讓建築不只是居住的空間，而是文化、歷史、自然與設計的融合。HERITAGE 帶你住進千年歷史，感受京都的文化脈絡；vertex 則讓你在沖繩海岸邊，享受建築與自然共生的藝術體驗。兩個計畫都不只是飯店那麼簡單，而是對文化資產、在地生態與歷史記憶的尊重與延續。

未來，NOT A HOTEL 將持續透過這樣的方式，把日本的建築、美學與文化價值，重新帶回人們的日常生活中。無論你是旅行愛好者、設計控，還是文化探索者，都能在這兩項計畫裡，親身感受歷史與現代的對話。

HERITAGE 飯店模擬示意圖

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Photo：NOT A HOTEL

 

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彩妝藝術家 Emerald Vysions

Emerald Vysions 是來自英國倫敦的彩妝師，她的妝容風格華麗怪誕中又帶點復古氣息，色彩飽和、線條強烈，且善用幾何線條、異材質拼貼，如鮮花、亮片、珠飾等，以及精準的色彩對比，將彩妝從純粹的美容提升到了藝術層次。

 

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最初會注意到 Emerald Vysions，就是因為一系列以電影為創作核心的妝容作品，她以電影畫面為靈感，將經典畫面透過彩妝解構，幻化作色彩，一筆一筆運用色彩與線條重現在臉龐上，比如靈感來自經典電影《Carol》（因為愛你 / 卡露的情人）的妝容，她就採用綠色調與紅唇帶來強烈對比。

Carol （2015）⁣⁣⁣

《Eternal Sunshine of the Spotless Mind》（王牌冤家）的妝容，Emerald Vysions 則選擇了男女主角初次相遇的畫面，妝容巧妙運用湛藍與橘色，呼應自由奔放的藍色頭髮和橘色帽 T。

編輯自己私心最愛 Wes Anderson 的《Moonrise Kingdom》（月昇冒險王國 / 小學雞私奔記）這個妝容，橘色欄杆幻化為強烈線條感的眉與眼線，襯托著藍天白雲眼影，下眼瞼那一抹藍更是神來之筆，精準呼應欄杆間隙中透出的藍天，Emerald Vysions 不僅畫出了 Wes Anderson 標誌性的復古配色，更保留了對稱與精緻感，重現電影那種怪誕又魔幻的美學。

Moonrise Kingdom (2012)⁣⁣⁣

從 1950 年代希區考克的《Vertigo》（迷魂記 ）到前幾年的《Portrait of a Lady on Fire》（燃燒女子的畫像 / 浴火的少女畫像）、以及橫掃奧斯卡大獎的《Everything Everywhere All at Once》（媽的多重宇 / 奇異女俠玩救宇宙），必須說她不僅妝容畫得好，選片品味也很讚。

此外，還有行為藝術家 Marina Abramovic 的作品 《Rest Energy》、經典文學《Le Petit Prince》（小王子），甚至是知名畫家 Frida Kahlo 的 《The Two Fridas》（兩個芙烈達）和 Gustav Klimt 的《The Kiss》（吻）等，都在 Emerald Vysions 的創作範疇內，創意十足又充滿想像力。

Mulholland Drive (2001)⁣⁣⁣； Portrait of a Lady on Fire (2019)⁣⁣⁣

The Umbrellas of Cherbourg (1964)⁣⁣⁣；Mirror (1975)⁣⁣⁣

Ratched (2020)⁣⁣⁣；Grey Gardens (1975) ⁣⁣⁣

Rest Energy (1980)⁣⁣⁣；Uncle Yanco (1967)⁣⁣⁣

Daisies (1966)⁣⁣⁣；Fleabag (2016)⁣⁣⁣

 Midsommar (2019)⁣⁣⁣；Pierrot le Fou (1965)⁣⁣⁣

Gentlemen Prefer Blondes (1953)⁣⁣⁣；Suspiria (1977)⁣⁣⁣

Funny Girl (1968)⁣⁣⁣；Everything Everywhere All at Once (2022)⁣⁣

The Kiss of the Oceans (1915) ；The Two Fridas (1939) by Frida Kahlo

The Kiss by Gustav Klimt；The Little Prince (1943) 

如果你正在尋找跳脫常規的時尚靈感，不妨把 Emerald Vysions 追蹤起來吧。

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Photo:@emerald___vysions